「風景画」のように「内在する光」を捉え、
「存在」に拘泥しながら硬質な作品を鮮烈に披瀝する稀有な作家 ayaka nakamura
Capturing the “intrinsic light” like a “landscape painting,
A rare artist, ayaka nakamura, who vividly reveals her rigid works while being obsessed with “Life of existence”.
ayaka nakamura氏の作品に圧倒的に魅せられて、運よく作品購入でした。以前から、ブルーを変幻自在に操り、作品のベースにされている抽象画に確たる存在感を感じて購入機会があれば、と思っていたが、ようやく落手することができ、望外の喜びである。
nakamura氏の作品は、極めて絵具を硬質かつ重層的に使用し、私の購入した作品には建築用のパテまで使用されているのには驚いた。なぜそこまで硬質にするのか、それはしっかりと絵画を定着させたいからだと思った。まさに、それはゴッホの考え方、技法と酷似している。そうした厚塗りにもかかわらず、壁に掛けてみると、不思議と重厚に感じない。全体のトーンの基本にあるブルーのグラデーションが絶妙に絵画を目に優しくしている。どこまでも深いブルーがあるかと思いきや、薄く塗られたブルーもあり、バリエーションを持ったグラデーションをもっており、とても絵画全体がリズミカルだ。ただ、音楽的には高い音域ではなく、チェロやコントラバスのような低弦が通奏低音にあるので、粗々しく描かれているようで、全体的には実に繊細でもあり、また静謐さも漂う。深い洞察力に裏打ちされた作品は、何の外連味（けれんみ）もなく、青の効果もあってか、鮮烈な印象を与えてくれる。
BSフジの「ブレイク前夜」で紹介された映像を見た。抽象画を描くというより、風景画を描いている感じ、と述べているのを拝見、拝聴した。今回のTRiCERAでの個展も「Like a star」であるように宇宙の星がテーマであるようだ。空を見上げ、輝く星を我々は眺めているが、その星自体は広大な宇宙の果てしない距離の彼方に存在しているのだが、私は別の見方をした。つまり、逆に空から見た地球の風景でもあるような気がした。私が購入した「Sound of the earth #」について言えば、上空から下を見た際、川（ブルー）のうねりの中に聳える奇岩（ブラウン、金）のようにも見えた。上空を見上げた場合と上空から見下ろした図が一つのカンバスの中に同居している世界のように感じた。円環する宇宙であり、まさに究極の風景画がそこに誕生している。あるいは他の作品でも、上空から見下ろした時地球、大洋（海）に白い雲がかかった図やその海もブルーの濃淡で描き分けられている。私が「海」と表現しているものが実際は「空」なのかもしれないし、上下、表裏、天と地が同居するnakamuraの絵画の面白さの醍醐味を感じたような気がする。
さらに、TRiCERAのアーチストコメントを拝見すると、「命の存在」を描いている、という。太古より言われてきたのは、人間を含む生物（生命）は、海から陸へと進化の道を辿ったと言われている。よって大きな「自然」を描くことは「命」を描くこととイコールになる。その際、とても重要な言葉は「私の作品は線と色の重なり、そして構築と破壊を繰り返すことによって出来上がる」というところにnakamuraの絵画の秘匿がある。作品が絵具（メディウム）の重層的な使い方でもよくわかる通り、構築したものを一旦破壊することは画家なら当然のことなのかもしれないが、破壊したものを再構築すること、新たなものに創造していくことは勇気がいることであろう。それを公言して実行する気風（きっぷ）の良さに感心させられる。これができるのは、時間と空間への確たる認識がないとなかなかできない。彼女のコメントを読む限り、そこがしっかりとできているので、驚かされる。「自然の触れると、自分の存在を教えてくれる」「すべての瞬間は、命の交わりが織りなす一瞬の奇跡」というコメントからもそれは十二分に伺える。
一つだけ書き足しておきたいのは、「存在とは他の存在のよって生まれると感じるようになった」とある。この場合、恐らく彼女の中でいう「存在」は「命の存在」、つまり現実的で、現世的な言葉使いなのだろうと思う。少しだけ、決して彼女への反論でも何でもないが、言葉を付け足しておくと、自然に咲いた１本の花、この花は決して他を意識しない。花なので、当然、「意識」というのはおかしいのだが、哲学的にいうと、花は主体であり、客体である他の存在とは無関係に毅然と存在している。描かれた絵画作品は「即自存在」している、と言っていいように思う。
彼女が言いたい「命の存在」というのは、「命をもって生まれた生命の存在」であると同時に、「内在する光の存在」と言いたかったのではないかと思料する。「内在する光」が「Like a star」を顕現する。彼女の絵画には、暗く深いブルーの中にも確かな「光」が感じ取れる。「星」も光によって我々の前に現れる。それは彼女の意識の外にあって作品に宿らせた見事な世界観をもっていると思った。風景画のように抽象画を描いていく作家の姿勢に大いに共感した。今後、「対他存在」が「即自存在」に考え方がシフトされていくときに作家は今以上の「存在感」を発揮するであろう。完成ではなく過程の今の姿を確認できたことは大きな収穫であり、その完売作家と邂逅できたことは無類の喜びであった。
20240106
絵画コレクター 寺田創一
I was overwhelmingly fascinated by ayaka nakamura’s work and was fortunate enough to purchase a piece. I had been hoping to have a chance to purchase one of his abstract paintings, which are based on his use of blue as the base of his work, and I am very pleased to have finally been able to purchase one.
ayaka nakamura uses extremely hard and layered paints, and I was surprised to see that he even used architectural putty in the work I purchased. I thought that the reason why he used such hardness was because he wanted to firmly fix the paintings in place. This is exactly similar to Van Gogh’s thinking and technique. Despite the thick paint, when hung on the wall, the painting does not feel strangely heavy. The gradation of blue, which is the basis of the overall tone, makes the painting exquisitely gentle to the eye. The painting is very rhythmical, with variations in the gradation of blue, from deep blue to thinly painted blue, and the whole painting is very rhythmical. However, musically, the painting is not in the high register, but has low strings like cellos and double basses playing in the bass register, so the painting seems coarsely drawn, but overall it is very delicate and serene. The work, backed by deep insight, has no ambiguity and, perhaps due to the effect of the blue color, leaves a vivid impression.
I saw a video of his work featured on BS Fuji’s “The Night Before Breakthrough. I saw and heard the artist describe his work as more like landscape painting than abstract painting. His solo exhibition at TRiCERA this time is also “Like
a star”, the theme of this solo exhibition at TRiCERA seems to be the stars of the universe. We look up at the sky and gaze at the shining stars, which themselves exist far away in the vastness of the universe, but I saw them in a different way. In other words, I felt that it was also a landscape of the earth as seen from the sky. In the case of “Sound of the earth #,” which I purchased, when I looked down from the sky, it looked like a strange rock (brown, gold) rising in the swell of a river (blue). It seemed to me as if a world in which the view looking up and the view looking down from the sky coexist in a single canvas. It is a circular universe, and the ultimate landscape painting is born there. In other works, when looking down from the sky, the earth, the oceans (sea) with white clouds over them, and the sea are all painted in different shades of blue. What I describe as the “sea” may actually be the “sky,” and I felt the true appeal of Nakamura’s interesting paintings, in which up and down, front and back, heaven and earth coexist.
Furthermore, the artist’s comment on TRiCERA says that it depicts “the existence of life”. It has been said since time immemorial that living creatures (life), including human beings, followed the path of evolution from the sea to the land. Therefore, drawing a large “nature” is equal to drawing “life. The secret of nakamura’s paintings lies in the very important phrase, “My work is created through the layering of lines and colors, and the repetition of construction and destruction. As is evident in the multi-layered use of paint (medium) in his works, it may be natural for a painter to destroy what has been constructed, but it takes courage to rebuild what has been destroyed, to create something new. I am impressed by the spirit with which he has publicly stated this and carried it out. It is difficult to do this without a firm awareness of time and space. I was surprised to read her comments, because she has such a firm grasp of time and space. Her comments such as, “The touch of nature teaches me about my own existence,” and “Every moment is a momentary miracle woven by the communion of life,” are more than enough to show this.
One thing I would like to add is that “I have come to feel that existence is created by other beings. In this case, perhaps “existence” in her mind means “the existence of life,” a realistic, worldly use of the word. To add a few words, which are by no means an objection to her or anything, a single flower blooming naturally, this flower is never conscious of anything else. Since it is a flower, of course it is strange to call it “conscious,” but philosophically speaking, the flower is the subject and exists resolutely independent of other beings who are its objects. I think it is safe to say that the painted work of art is “immediate self-existent.
I think that what she meant by “existence of life” was not only “existence of life born with life,” but also “existence of intrinsic light. The “inherent light” manifests “Like a star.
a star. In her paintings, we can sense a certain “light” in the dark, deep blue. The “star” also appears to us by light. I thought that she had a wonderful view of the world, which was outside of her consciousness, and she made it dwell in her works. I felt a great deal of sympathy for the artist’s attitude of painting abstract pictures like landscapes. In the future, when the concept of “existence to others” is shifted to “immediate existence,” the artist will show even more “presence” than before. It was a great harvest to be able to confirm the current state of the process rather than the completion of the work, and it was an incomparable pleasure to have a chance encounter with the artist who sold out the exhibition.
20240106
Art collector Soichi Terada